Baume & Mercier (180 ans)
Fondée en 1830 aux Bois, au cœur de l'arc horloger jurassien, Baume & Mercier est une maison d'horlogerie suisse qui allie savoir-faire, esthétique contemporaine et qualité. Un seul mot d'ordre: "Ne rien laisser passer, ne fabriquer que des montres de la plus haute qualité", une devise héritée de nos fondateurs, William Baume et Paul Mercier.
Après avoir lancé sur Facebook et Twitter son feuilleton « Secret d’une Famille d’Horlogers » qui raconte sous forme d’un journal intime, les moments forts de l’histoire de cette maison d’horlogerie, elle dévoile le second volet de son opération lié à cet anniversaire. Ainsi Baume & Mercier et Madame Simone Gaudard, arrière petite-fille du fondateur, ont rassemblé virtuellement tous les amateurs de la marque et les invitent sur Facebook à partager l’histoire de leur montre Baume & Mercier… Car la plus Belle Histoire de Baume & Mercier c’est la Vôtre » ! Tous les témoignages sont les bienvenus, que votre montre soit d'hier ou d'aujourd'hui, alors RDV sur Twitter http://twitter.com/BaumeMercier et Facebook http://www.facebook.com/BaumeEtMercier et sur www.baume-et-mercier.com
Saint Honoré (125 ans)
Thierry Frésard, qui est avant tout un autodidacte, devient Président de la société Frésard en 1984, et impulse une nouvelle stratégie à Saint Honoré.
La société Frésard devient en 1985 «Saint Honoré Paris». Dès lors, c’est tout l’univers de la Maison qui va s’articuler autour du nom Saint Honoré : la société, la marque et la boutique éponyme qui ouvre au 326 de la rue Saint-Honoré à Paris en 2004. Parmi les modèles qui ont marqué les esprits, citons Opéra, lancé dans les années 90, succès mondial, avec près de 50 000 pièces vendues. Le modèle Manhattan, dans les années 2000, a reçu le Premier Prix du Design à New York, tandis que la ligne Orsay proposait, en 2006, une montre femme dotée d'une complications horlogères, le tourbillon. C’est notamment grâce à ce nom évocateur du style parisien - design français et mouvement suisse - que Saint Honoré va s’implanter sur le marché international, en particulier au Moyen-Orient et en Asie.
Thierry Frésard est également un homme de passions. C’est sa passion pour le sport automobile – il a couru sur Porsche 911 – qui l’amène à rencontrer Paul Belmondo qui accepte de devenir l’ambassadeur de la marque. C’est naturellement, qu’en 2008,
l’acteur et pilote automobile participe au développement de la montre Orsay Black Racing. Aujourd’hui, Saint Honoré est impliquée dans l’univers du sport. La voile, en soutenant l’équipe All 4 One depuis 2008 qui participera à l’America’s Cup en 2014 mais aussi et toujours le sport automobile avec les 24 Heures du Mans, depuis 2005.
En 2010, Saint Honoré fête son 125ème anniversaire et est à ce titre l’une des plus anciennes sociétés familiales françaises. Fort de cette histoire, Thierry Frésard souhaite redonner à Saint Honoré ses lettres de noblesse en se focalisant sur le savoir-faire horloger qui a fait le succès de la Maison. C’est ainsi que la montre Coloseo Valjoux ou la montre Haussman Automatic ont vu le jour cette année et ont été présentées à Bâle en 2010. Thierry Frésard poursuit le développement de la marque pour accroître le marché français avec un réseau de distribution sélectif et développer la production de pièces mécaniques horlogères dès 2011.
Cadolle (120 ans)
Au commencement de cette histoire, une femme, Herminie Cadolle, féministe, passionnée et créative - à qui nous devons l'invention du soutien-gorge. Elle sut transmettre son savoir-faire à ses enfants, petits-enfants et arrière petits-enfants : Poupie et Patricia Cadolle, 5e et 6e générations, dirigent l'entreprise familiale dans les règles de la haute couture parisienne. Et pour célébrer cet anniversaire, de décembre 2009 à février 2010, une rétrospective des archives de la maison se tenait dans les salons couture de la maison à Paris. Un voyage dans le temps où les femmes se subliment, se corsettent, se libèrent et s'épanouissent au gré des modes....
Samsonite (100 ans)
La marque, leader mondial sur le marché du bagage, célèbre un siècle de recherche et d’expertise, de progrès technologiques et d’ingéniosité au service des voyageurs. En 1910 Jesse Schwayder créé la marque en commençant par la fabrication de solides malles en bois durant l’époque de la ruée vers l’or. Depuis cette date, Samsonite a su innover et apporter des réponses technologiques et des solutions créatives en adaptant ses valises en fonction des modes de vies et de déplacements.
Dates clefs :
- 1956 : Lancement de Ultralite, première valise en ABS avec cadre en magnésium,
- 1969 : Samsonite sort Saturn, la première valise en polypropylène, procédé révolutionnaire qui permet à la valise d’être supporté par des coques,
- 1974 : Création de la première valise à roulettes au monde : Silhouette.
- 2008 : Samsonite lance Cosmolite, la valise la plus légère et la plus résistante jamais conçue de la gamme grâce à sa technologie exclusive Curv®.
- 2010 : lancement de B-Lite pour son centenaire, la valise souple la plus légère de sa collection.
Pour célébrer le centenaire, Fabrice Peltier a organisé une exposition qui souligne le parallèle entre l’industrie du packaging et les valises Samsonite, ayant toutes deux évolué sur le même modèle au fil du temps. L'exposition, qui se tient à la DesignPack Gallery, est intitulée Move Light, Pack’tage Evolution. Elle se décline en cinq tableaux: le premier met en avant un rétrospective des publicités depuis la création de la marque, le second et le troisième, l’évolution du poids des valises dans le temps et de la marque pour s’adapter aux nouveaux modes de déplacements et aux nouveaux critères des compagnies aériennes. Le quatrième donne l’occasion de voir ou revoir les valises star, créés par de grands noms de la mode : Alexander McQueen, Viktor & Rolf, Philippe Stark et Mark Newson… ». Pour conclure, Cosmolite est mise à l’honneur. C'est la collection de valises rigides Samsonite la plus légère et la plus résistante. C'est une des premières collections de bagages Samsonite à bénéficier de la technologie phénoménale Curv®. Récompensée par le Red Dot Design Award « best of the best 2010 », et Henry Van De Velde Label 2009. www.samsonite.fr
Lamarthe (80 ans)
C'est l'époque où les dandys des années 30 friment en dégainant leurs accessoires à tabac. C’est en fabriquant des petits objets en cuir destinés aux fumeurs qu’Alfred Lamarthe fonde sa maison nommée « fabrique de maroquinerie ». Du porte-cigarettes au briquet, en passant par la blague à tabac, il voit l’avenir de la maroquinerie dans le sac.
Inventif, visionnaire, autodidacte séduit par l’émulation des nouveaux brevets industriels de l’époque, c’est grâce à la soif d’innovation d’Alfred Lamarthe que la griffe voit le jour en 1930. Audacieux, il a été le premier maroquinier à utiliser la fermeture Eclair sur du cuir et plus tard tente le Velcro. Il a aussi inventé ce qu’on a appelé le « clic clac », et distribué un système de porte-clefs de sécurité Buxton astucieux.
Alfred Lamarthe fait partager son envie d’innovation à la profession car il exerce la présidence de la Fédération de la Maroquinerie, siégeant à la Chambre de Commerce de Paris. Dépassant l’aspect utilitaire du sac, il est l’un des fondateurs d’un Comité Européen des Industries de la Mode, chargé de coordonner les tendances. Alfred Lamarthe sent l’enjeu des marchés internationaux et exporte ses créations en Europe mais aussi au Japon et aux Etats-Unis.
1970: la licorne, une signature mythique
Lamarthe impose sa signature avec l’apparition de la licorne. Didier Lhostis, le nouveau D.A fait passer Lamarthe de marque de prestige à griffe d’accessoire de mode. Didier Lhostis pense le sac comme un univers complet : du détail d’accessoirisation des produits jusqu’à la boutique.
1980: la griffe sensible au luxe accessible
Les années majeures qui positionnent Lamarthe sur le segment du luxe abordable. Les modèles de sacs sont conçus comme des intemporels et déclinés en collections complètes avec une offre en petite maroquinerie, du style casual à ultra chic.
1990 - 2000: plus d’une idée créative !
Lamarthe parie sur le co-branding et fait appel à des designers de renommée internationale de Hilton Mc Connico à Stéphane Verdino. C’est l’heure où les modèles s’affirment comme des essentiels, des « basiques ». En 1999 un nouveau pôle de stylistes apporte aux collections fraîcheur, gaité et couleur. PORTOFINO et DRÔLE DE SAC font leur apparition. Le coup de charme et la fantaisie s'installent. Avec CULT et EXCEPTION, Lamarthe affiche une montée en gamme grâce aux finitions soignées.
Lamarthe crée ses premiers « IT bags »
Pendant les seventies, la griffe charme les femmes… c’est l’époque des fameux « 3L » ! Quatre décennies plus tard, certains modèles sont des must-have, reconduits chaque saison ou réédités dans leur version contemporaine (1982, le SOFA, 1994, le CARLA, 1994, le GALA, 1999, le PORTOFINO, 1999, DRÔLE DE SACS, 2003, le PARIS, 2005, l'EXCEPTION, le 2006, le CULT.
1990: la griffe surfe sur le phénomène des collaborations créatives
1993: le designer Hilton Mc Connico dessine une ligne de maroquinerie à l’esprit casual chic: rayures graphiques et air marin sur les sacs « clic clac » et les valises souples. Ils récidivent en 1995 avec une collection de modèles de loisirs en toile.
2003: un moment fort où Lamarthe affirme son ingéniosité en associant son savoir-faire à celui de grandes maisons: le Tea Bag avec le Hédiard, Le Beauty Bag avec le créateur de cosmétiques Bourgeois, Le Fizz Bag avec le Champagne Moët & Chandon, le Fitness Bag avec Evian et le Baby Bag avec Jacadi…
2005: incursion dans l’univers du design et de la décoration avec Mattia Bonetti. Le designer expose à Paris, Londres et NYC. Il imagine 6 modèles de sacs qui changent de volume et se transforment. Pour cette collection, sangles amovibles, poches pour téléphone portable, poches zippées, formes 24 h et 48h signent l’aspect fonctionnel alors que la toile siglée et les boutons de col en laiton vieilli mettent en avant le chic actuel.
2006: ode à l’esprit fantaisiste et glamour, grâce aux liens tissés avec la créatrice Sophie Lévy, connue pour sa collection décalée « Les Bijoux de Sophie ». En réinterprétant les codes du sac Icône le « Drôle de sac », elle pimente les sacs en les parant de décors théâtraux, de chaines et de grigris parisiens.
2008: le créateur de sacs Stéphane Verdino imagine une collection « capsule » en signant les modèles d’un grand « L » sur la poignée. La collection est moderne, pure, dynamique, grâce à la mise en valeur d’un colorama électrique et pepsy.
2009: Lamarthe est sensible à l’impertinence artistique de Miss.Tic, figure du street art et reconnue dans les galeries et dans la rue par ses pochoirs muraux, au ton poétique et humoristique. Explosion des messages sur les sacs, la maroquinerie prend la parole sur la silhouette féminine. C’est pour cela que Miss. Tic affiche de son mythique trait noir, l’idée : « je crois en l’éternel féminin ».
Une édition vintage pour les 80 ans
Lamarthe célèbre son anniversaire en rééditant un sac vintage, l'ICON, avec un système de fermeture datant de 1964. En un seul geste, ce brevet permet d’avoir une visibilité optimale de l’intérieur du sac. Ce cabas ultra plat, qui se transforme en un cercle pratique, dévoile une doublure Liberty Art Fabric, aux teintes fraîches et aux motifs british. Il est édité dans de multiples versions et cuirs: veau pleine fleur, cuir façon python... en version cabas ultra plat et en version plus généreuse.
En vente à partir de décembre 2010. Boutique Lamarthe, 19, avenue de l’Opéra. 75001 Paris. Galeries Lafayette. Printemps Haussmann. www.lamarthe.com
Dr Martens (50 ans)
A Munich, en Allemagne, le Docteur Klaus Maertens, possédait un garage plein d’inventions, avec notamment une semelle faite d’air, et à Northampton, en Angleterre, la famille Griggs, était riche d'une histoire dans l’industrie de la chaussure. Ensemble, ils créèrent une chaussure avec un design classique: la 1460. Les postiers, ouvriers, et autres syndicats de l’industrie du transport, qui achetaient déjà cette chaussure, furent rejoints par les exclus, les parias et rebels. Après les classes ouvrières, ce fut alors au tour des masses de se tourner vers Dr. Martens. Des subcultures, les skinheads furent les premiers à l'adopter au début des années 60, dans l’Est londonien pour gagner la Grande-Bretagne et le monde. A l’origine non-raciste, ce mouvement avait une obsession pour la mode et ses codes vestimentaires. D’autres tribus l'adoptèrent à la fin des années 60 et 70 : Mods, glam, punks, ska, psychobillies, grebos, goths, industrialists, nu-metal, hardcore, straight-edge, grunge, Britpop…
Jusqu’au milieu des années 90, Dr. Martens n’est pas une “marque“, c’est une façon de penser, un mode d’expression. Aujourd'hui, la tribu se limite à une seule personne mais la 1460 est toujours là. L’anti-mode par essence, contenu dans cette chaussure à 8 œillets dont l’image, perdure, se réinvente et évolue.
Le 1er avril 2010, Dr. Martens a fêté son 50ème anniversaire. Le modèle 1460, née le 1er avril 1960, est sortit des 1ères chaînes de fabrication à cette date. Pendant 5 décennies, la bottine a été portée par des ouvriers, pour qui elle fut conçue, et par nombre de rebels et anticonformistes. Les skinheads furent les premiers à l’adopter, suivis par d’autres subcultures et par des musiciens, conquis par son authenticité et son côté « working class ».
Dr. Martens et la musique ont donc été liés ces 50 dernières années. Pour cet anniversaire, Dr. Martens s’est attaché les services de 10 groupes contemporains ainsi que de 10 réalisateurs. Résultat: 10 chansons cultes reprises par une sélection internationale et hétéroclite d’artistes. Les réalisateurs sont reconnus pour leur originalité et leur sens de l’innovation. Il en résulte une collection de chansons et de clips musicaux qui reflète la diversité de groupes ayant adopté et customisé Dr. Martens.
Dr. Martens dévoilera des séries limitées du modèle 1460 et de sa version basse appelée 1461. Ces deux modèles seront disponibles en deux coloris : Black et Cherry Red. Ainsi 1460 exemplaires (par couleur) de 1460, ainsi que 1461 exemplaires (par couleur) de 1461 seront distribués dans des points de vente internationaux. La chaussure utilitaire « Made in England » se pare de ses plus beaux atouts avec une tige réalisée en cuir grainé poli, associé à une languette, des œillets et une semelle intérieure dorés.
Yves Rocher (50 ans)
dans 80 pays, la marque est la 1ère pierre d'un groupe familial fondé il y a 50 ans sur la Cosmétique Végétale
C'est une cosmétique unique fondée sur la valorisation du végétal et sur la volonté de rendre la beauté accessible à toutes les femmes. Quand la marque souffle ses 50 bougies, c’est la planète qui est à l’honneur. Pour restaurer et préserver la biodiversité, Yves Rocher s’engage à avoir planté 50 millions d’arbres à travers le monde d’ici 5 ans.
Approfondir la connaissance du végétal pour mieux le valoriser et protéger sa diversité est le premier engagement de la marque. Le végétal est une source d’enseignement et d’efficacité illimitée pour la beauté des femmes. L’histoire de la marque s’écrit au fil de ses découvertes et de ses actifs végétaux. Aujourd’hui, Yves Rocher fabrique 90 % de ses produits en Bretagne dans trois usines certifiées ISO 9001, ISO 14001et SAS 18001, appuyées par un centre de 150 chercheurs pluridisciplinaires.
Le droit à une beauté de qualité accessible à toutes les femmes quels que soient leur âge, leur origine, leurs moyens est un combat d'actualité. C’est par son business modèle unique de récoltant-fabricant-distributeur qu’elle parvient à contrôler les coûts et éviter le cumul des marges. Ainsi, elle maîtrise l’ensemble du cycle de vie de ses produits : de la plante à la peau des 300 millions de clientes à travers le monde.
Quand la marque souffle ses 50 bougies, c’est la planète qui est à l’honneur. Pour restaurer et préserver la biodiversité, Yves Rocher s’engage à avoir planté 50 millions d’arbres à travers le monde d’ici 5 ans. Tout commence en 2007 par la rencontre de Jacques Rocher, président de la Fondation Yves Rocher- Institut de France avec Wangari Maathaï, prix Nobel de la paix et marraine de la campagne pour un milliard d’arbres lancée par le PNUE. Trois ans après, 7 millions d’arbres ont été plantés. L’engagement se prolonge avec un nouvel objectif : avoir planté 50 millions d’arbres d’ici 5 ans. Inde, Madagascar, Ethiopie, Sénégal, Burkina Fasso, Australie, Brésil, Mexique, Haïti mais aussi à la Gacilly, Les Landes ou dans la Forêt Noire, 12 lieux où la biodiversité s’épanouit.
Les dates clefs de la saga Yves Rocher
1959 : Depuis le grenier de sa maison natale, Yves Rocher fabrique et commercialise les premières crèmes à la ficaire. Il dépose son premier brevet sur l'application cosmétique de la Ficaire. Il met la beauté à disposition de toutes les femmes en proposant ses produits cosmétiques par correspondance. Face au succès, la première usine est construite à la Gacilly.
1962 : Yves Rocher devient Maire de la Gacilly et le restera pendant 40 ans. C'est son fils, Jacques, qui prendra sa suite aux élections de 2008.
1964 : 1ère crème de soin pour peaux sensibles à la Camomille. Cette plante demeure emblématique depuis 50 ans, cultivée en Agriculture Biologique.
1965 : Yves Rocher lance son premier Livre Vert de la Beauté. Aujourd'hui, il est diffusé à 10 millions d’exemplaires et en 20 langues dont le Braille.
1969 : Construction du site industriel de La Croix des Archers puis viendront l’usine de Rieux en 1979 dédiée au maquillage puis Plöermel en 1982 consacrée aux parfums et enfin en 1991 les Villes Geffs pour l’hygiène et les soins. Cette dernière est conçue dans une perspective écologique : pas de remembrement, parfaite intégration paysagère, station d’épuration intégrée... Ce sont aujourd’hui plus de 10 000 emplois directs et indirects en Bretagne. Ouverture du premier magasin Boulevard Haussmann suite aux grèves qui ont bloqué la France et les livraisons de colis. Ce sont aujourd’hui 1600 Centres de Beauté qui portent l’enseigne de
1970 : Premier pas à l’international avec l’ouverture d’une filiale en Belgique puis en Suisse. Depuis, la marque est présente sur les 5 continents, dans plus de 80 pays.
1975 : Création du Jardin Botanique. Riche de plus d’un millier d’espèces, il est dédié à la conservation, à la recherche et à l’initiation du public à la biodiversité végétale.
1987 : Lancement de la vente par réunion. Aujourd’hui, ce sont des milliers d’ambassadrices qui représentent la marque.
1991 : Réalisation d’éco-bilans sur les produits emblématiques et prise d’engagements : formules moussantes biodégradables, allègement des flacons et création de recharges.
Création de la Fondation Yves Rocher pour la protection de la nature qui se place sous l’égide de l’Institut de France en 2001.
1992 : Première mission ethnobotanique dans la quête de nouveaux actifs végétaux. Depuis, les équipes de recherche ont parcouru l’Amazonie, le Burkina Faso, Madagascar, l’Inde, le Bouthan.... Participation de Jacques Rocher au Sommet de la Terre à Rio. Classement de La Gacilly comme « éco-canton » par le Ministère de l’Environnement.
1993 : Lancement de la 1ère éco-recharge sur le shampooing Hamamélis : 75% de réduction d’emballage. Chaque année Yves Rocher vend 2,8 millions de recharges dans le monde.
1995 : Lancement de la préservation de l’Arnica Montana, plante médicinale de la F^orêt Noire (Allemagne) désormais remplacée par l’Arnica Chamissonis pour les soins des mains, Arnica Essentiel, cultivée en Agriculture Biologique à
1996 : Trophée Entreprises Environnement du Ministère de l’Écologie qui récompense l’engagement écologique sur tous les sites de production, en particulier la mise en place de l’ISO 14001.
1997 : Labellisation de l’Agriculture Biologique des
1998 : Inauguration du Végétarium, premier Musée européen dédié à la découverte du monde végétal et créé avec le Muséum National d’Histoire Naturelle.
2000 : Découverte de l’ADN Végétal dans les extraits de germe de blé et lancement du soin éponyme. Ouverture de la boutique en ligne. Primé en 2009, pour la troisième année consécutive site beauté préféré des Internautes, le site www.yves-rocher.fr rassemble 1,5 millions de visiteurs par mois en France et est décliné en 16 versions à l’international.
2001 : Première Édition du prix Terre de Femmes de
2002 : Construction de la plateforme de logistique internationale où transitent 300 millions de produits vers le monde entier chaque année.
2006 : La suppression des sacs plastique dans les magasins et le lancement du sac shopping permettent d’économiser 200 tonnes de plastique par an. Poursuivant la démarche écologique en magasin, deux ans après création de la carte de fidélité réinscriptible.
2007 : Un Bilan CarboneTM est réalisé sur l’ensemble du périmètre d’activités Récoltant, Fabricant, Distributeur en France.
2008 : Lancement de Culture Bio, première gamme de soins certifiés Écocert-Cosmébio, réalisée à partir de 19 plantes Bio mais aussi éco-conçue et compensée carbone. 2009 : Lancement pour la 1ère fois sur le marché français d’un shampoing porteur de l’éco-label européen. Et pour un shampoing acheté, un arbre planté. Sur un site de
Elnett (50 ans)
Elnett est devenue la laque des stars et demeure la star des laques. Surnommée la « Déesse d’or », elle incarne un must-have tant pour les studios que pour les coiffeurs professionnels. Son secret ? Un parfum reconnaissable et une formule inégalée, intacte depuis sa naissance en 1960.
1960, la naissance d'un mythe
L’Oréal lance Elnett Souple trois ans après la création de son précurseur Oréol Net. Cette nouveauté bouleverse la routine des femmes et des coiffeurs qui n’avaient alors comme seuls choix, la brillantine sans volume ou la gomme-laque au résultat peu naturel. Sa naissance marque une rupture technologique parmi les produits coiffants, offrant une souplesse et une brillance exceptionnelle, tout en laissant le cheveu doux. Ceci grâce à des polymères qui lui permettent de maintenir les cheveux sans les cartonner ; sans dessécher le cheveu, ils créent un film doux qui « s’élimine au premier coup de brosse » comme le revendique le slogan publicitaire d’origine.
70: la laque des stars
En 1968, Elnett bénéficie d’une nouvelle technologie : la micro-diffusion. Ce procédé innovant et toujours d’actualité produit un nuage de micro gouttelettes aériennes permettant une répartition encore plus fine et plus uniforme pour une fixation cheveu par cheveu. « Ils vont, ils viennent, ils tiennent » clame le nouveau slogan publicitaire en 1971. Elnett fait ses débuts dans les studios de cinéma devenant la star des laques, la laque des stars, mais aussi des professionnels qui l’utilisent : en 1975, le nouveau slogan fait pour la première fois référence aux coiffeurs : « la laque des professionnels exigeants ». Alors que les années 70 introduisent
un bouleversement majeur dans le rôle et la liberté des femmes, L’Oréal lance Allurelle Elnett en 1976 qui répond au désir grandissant de naturel et maintient les cheveux au moyen d’un film invisible sans les gainer. Elle offre une coiffure libérée et non figée.
80: le succès international
La décennie voit triompher les coupes structurées, les looks capillaires travaillés et le goût des fixations fortes. Elnett doit affronter une toute nouvelle concurrence de mousses, gels et sprays favoris des jeunes générations. Elnett Fixation Extra forte voit le jour en 1988. Elle s’applique également sur cheveux mouillés pour les sculpter en toute liberté. Le slogan de l’époque « Elnett, la star des laques » imprègne l’histoire de la marque jusqu’aujourd’hui.
90: Elnett jeune et décontractée
Elnett s’accorde à son temps où s’expriment les coiffures plus libres : L’Oréal Paris lance Elnett flexible en 1998 pour séduire une cible plus jeune et plus décontractée. Son secret tient dans l’association de nouveaux polymères qui maintiennent le cheveu de façon naturelle tout en lui concédant une douceur soyeuse. Cette tendance donne naissance au nouveau slogan : « Confiez vos cheveux à une force invisible ».
2000: Elnett Collector
Elnett se réinvente sans cesse au travers de multiples éditions limitées, dont celle créée pour le Centenaire du groupe L’Oréal. La laque revêt alors une robe sur-mesure : une édition Collector enrubannée d’une touche fuchsia célébrant l’anniversaire.
2010: Elnett fait son Cinéma
Pour marquer son 50ème anniversaire, Elnett fait revivre la magie des plus belles scènes du cinéma français et américain dans une campagne publicitaire. À travers l’objectif du photographe Vincent Peters, Elnett commémore les débuts de la laque au cinéma : les icônes contemporaines - Diane Kruger, Laetitia Casta, Claudia Schiffer et Freida Pinto - se mettent en scène à la manière des grands classiques du 7ème Art.
Concours Elnett - Esmod 2010
Adulée par les coiffeurs, indispensable à tous les défilés… des coiffures les plus fantaisistes, aux tendances les plus classiques, c’est un must-have des backstages. Avec l’habillage iconique qui a fait sa gloire, dessinée par René Gruau, « la femme à la mèche ondoyante » pare sa robe dorée depuis 1964. A l’occasion d’un demi-siècle, L’Oréal Paris a réuni le talent créatif des étudiants d’Esmod pour imaginer son nouvel habillage. L’Oréal Paris donne l’occasion à ces étudiants de réinterpréter à leur manière « la femme Elnett » d’aujourd’hui, pour une édition limitée à paraître en novembre 2010. Dès janvier, les étudiants avaient pour mots d’ordre: créativité, modernité, séduction, féminité, beauté, glamour, graphisme. Le « brief » : la réinterprétation du mythe Elnett au regard du monde et des tendances d’aujourd’hui. Le jury L’Oréal Paris a sélectionné les 3 meilleurs dessins qui ont été soumis au vote des internautes sur le site de L’Oréal Paris. La lauréate du concours est: Teresa Tiong. Teresa Tiong. Sa vision de la femme Elnett: «L’alliance de la simplicité et du classique. Une femme provocante et mystérieuse qui se promène dans la nuit, ses cheveux illuminés par le clair de lune».
Kenzo (40 ans)
Dans le cadre de son 40ème anniversaire, Antonio Marras a voulu restituer un peu de l'âme anti-conventionnelle de la marque. Pour le premier défilé 2010, l'homme en janvier, il a fait défiler le final sur la place des Victoires. C'est une manière de rendre hommage à l'esprit de Kenzo Takada qui avait présenté ses premières collections dans les passages couverts du 2ème arrondissement alors que les autres maisons de l'époque défilaient dans des petits salons couture avenue Montaigne. Dans sa démarche de "faire descendre la marque dans la rue", il a imaginé : pour la fashion week de Londres (des taxis recouverts des imprimés Kenzo), pour la fashion week de Paris (une campagne d'affichage dans le métro parisien avec la campagne institutionnelle du printemps-été 2010, du 8 au 15 mars).
Aux origines de la marque
Kenzo voit le jour à Paris en 1970. D’abord nichée sous le nom de Jungle Jap dans une boutique de la Galerie Vivienne ornée d’un décor de jungle inspiré du Douanier Rousseau, la jeune maison installe six ans plus tard sa boutique, ses ateliers et ses bureaux place des Victoires pour devenir, en 1980, Kenzo –du prénom de son créateur-fondateur Kenzo Takada. C’est sous l’inspiration de ce jeune japonais, arrivé en France en 1965, que naissent au tournant d’une décennie particulièrement créative du XXème siècle un style et un nom qui marquent toujours, près de 40 ans après, le paysage de la mode.
Années 70 : l’éclosion
Dans ces années-là, la mode est à la fête. Un air nouveau souffle qui apporte une nouvelle génération de jeunes stylistes sur la scène de la mode parisienne, dont Kenzo Takada est un des pionniers. Tous proposent une mode qui se moque des conventions de la haute couture et contribuent à dépoussiérer un prêt-à-porter industriel formel et daté. Portée par les contre-cultures des années 60 et 70, cette nouvelle vague propose une création en rupture, affirmant que la mode peut être créative tout en s’adressant au plus grand nombre. La spontanéité prend le pouvoir et la mode entre dans une nouvelle étape de son histoire. En 1973 naît le Groupe Mode et Création qui réunit pour la première fois des couturiers –Christian Dior, Yves Saint Laurent, Emanuel Ungaro– et des stylistes dont Karl Lagerfeld (Chloé), Sonia Rykiel et Kenzo Takada (Jungle Jap). Tous veulent promouvoir une mode novatrice, faite par et pour des jeunes. Très vite, ceux que l’on n’appellera bientôt plus que « les créateurs » établissent leurs quartiers à deux pas des Halles : Kenzo, Thierry Mugler, Agnès B, Hervé Léger, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Jean-Paul Gaultier ou Jean-Charles de Castelbajac. Dans ce foisonnement, la mode est à la mode et l’image la célèbre. C’est la grande époque d’Helmut Newton, Peter Knapp, Guy Bourdin, Hans Feurer ou Peter Lindberg, qui fixent sur leur pellicule celles que l’on n’appelle pas encore les tops models. De nouveaux visages et de nouvelles silhouettes ornent les couvertures de magazine à l’instar de celle que le magazine Elle consacre dès la toute première collection aux créations Kenzo. Une mode fraîche et inédite pour des filles qui arborent avec légèreté robes et combinaisons colorées, coupes kimono ou cotonnades fleuries chinées au marché Saint-Pierre. Kenzo offre des défilés-spectacles, toujours situés dans des lieux insolites. Pour la première fois, garçons et filles défilent et dansent ensemble sur le podium où s’expriment l’exubérance de Pat Cleveland et la poésie de Sayoko, icônes de Kenzo et de la mode de ces années-là. C’est que les jeunes femmes des années 70 ont changé et Kenzo a su anticiper leurs aspirations : spontanée et authentique, elles ont envie de liberté, de mouvement, de jeunesse, d’impertinence, de légèreté et d’une mode faite pour des filles qui ne veulent plus s’habiller comme leur mère. Kenzo anticipe et accompagne ces nouvelles envies et ses créations deviennent l'incarnation de cette époque de renouveau, entre utopies revendicatrices des années 60 et matérialisme des années 90.
Années 80 : l’épanouissement
Les années 80 voient la confirmation de ce mouvement et les créations Kenzo deviennent autant d’icônes du début de cette nouvelle décennie – tailleur pyjama en jersey de coton, pull-overs manches kimonos, robes corolles, jeans décorés de fleurs ou de madras, ballerines aux couleurs éclatantes, ceintures rubans, sacs-pochettes en satin de soie brodé ou écharpes-bouquet de fleurs. Après 10 ans d’existence, Kenzo est plus que jamais le repère de toute une génération. Après les filles, la marque séduit les garçons avec la naissance d’une collection complète dédiée à l’homme, qui bouleverse les codes du masculin et s’impose à un nouvel homme qui se reconnaît dans un vestiaire diversifié, à la fois novateur et intemporel. C’est aussi le temps de l’affirmation d’un style onirique que déroule les campagnes publicitaires qui, photographiées par Hans Feurer puis Peter Lindberg, marqueront l’histoire mais aussi celle de la communication et de la photographie de mode. L’art du métissage mêlé à une communion avec la nature y trouve une manifestation éclatante. Progressivement, Kenzo devient un univers complet touchant tous les moments et tous les âges : après l’homme apparaissent les lignes de diffusion (Jungle et Jeans), l’enfant, la maison et les parfums.
Années 2000 : le renouveau
Le tournant du siècle est marqué par un défilé rétrospectif et une fête qui célèbrent fin 1999 les trente ans de la maison et le départ de son créateur-fondateur. Devenue en 1993 une des instances du groupe LVMH, Kenzo entame une nouvelle étape de son histoire, dans la continuité des valeurs qui ont construit la maison depuis bientôt 40 ans. Sous l’impulsion depuis 2003 d’Antonio Marras, son nouveau directeur artistique, Kenzo est en harmonie avec son époque. Précurseur du métissage des cultures et des influences, Kenzo répond à une nouvelle génération qui a appris à mixer, à combiner, à assembler autour d’elle et sur elle tous les signes d’une identité multiple et métissée - qui, comme le souligne Antonio Marras, « proclame sa personnalité, célèbre les différences, affirme son style » sans se soucier du diktat des tendances.
Cavalli (40 ans)
C’est un anniversaire important, celui de la maturité mais c’est surtout l’histoire d’une vie, celle de Roberto Cavalli. C’est aussi l’histoire d'une mode, qui serait essentiel à la définition du rêve et où l’Italie serait le protagoniste du chapitre portant sur l’imagination, la maîtrise et l’imprévisibilité.
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40 ans de glamour Roberto Cavalli n’a pas découvert la mode dans son milieu familial mais il y a trouvé l’art, les couleurs, le sens de la créativité. Né à Florence en 1940, son grand père était Giuseppe Rossi, protagoniste de pointe du courant de peinture des « Macchiaioli », courant né à la moitié du XIXème siècle. Roberto va suivre des études artistiques mais ne passera pas son diplôme de l’École d’Art de Florence.
Dans le milieu des années soixante, il peint et voyage fréquemment à Côme où il observe le travail des métiers à tisser et de l’impression sur soie. Il invente un procédé qui lui permet d’imprimer ses dessins sur des vêtements entiers, interrompus seulement par les garnitures et les coutures. C’est ainsi qu’il se retrouve à gérer un studio: c’est la naissance de la « Stampa Cavalli ». En 1969, à Florence, lors du salon de la chaussure il rencontre Mario Valentino, nom italien historique et universellement connu de l’habillement en cuir. Une idée en découle : transférer la méthode de l’impression de la soie au cuir et en peu de temps, ses impressions sur le cuir portent les signatures de Mario Valentino, de Pierre Cardin et d’Hermès. En 1970, au salon du prêt-à-porter Paris, parmi les stands, une nouvelle marque se distingue : Roberto Cavalli. Des robes de soirée et des maillots de bain, en cuir imprimé. Succès immédiat. Roberto repart à Florence et transfère sa créativité sur les jeans. En 1972, sur le podium du Palais Pitti à Florence défilent des pantalons patchwork, des mini-robes, des maxi-manteaux, tout est en cuir ou en jeans. La marque est alors demandée tant sur les marchés traditionnels de l’Europe que sur ceux émergents des deux côtes américaines.
La marque est déclinée en de nombreuses lignes tant d’habillement que d’accessoires. Roberto Cavalli est la marque principale. Just Cavalli est la ligne dédiée à la recherche du style le plus actuel pour l’habillement homme et femme, comme Class Roberto Cavalli est la ligne pour homme et femme qui exprime la recherche d’un style décliné dans une version détendue. Il existe aussi d’autres lignes, dédiées aux enfants, aux bijoux et aux lunettes. |
La famille. Il se marie jeune et a deux enfants. Mais, c’est en 1980 qu’il épouse la femme qui l’accompagnera dans la vie et dans le travail : Eva Duringer. La rencontre a lieu à Saint-Domingue en 1977. Ils auront trois enfants. Actuellement, elle dirige le bureau créatif de toutes les lignes qui naissent sous la marque Cavalli.
Les boutiques ne sont pas que des espaces de vente mais des lieux de représentations d’un style de vie. La première en 1972 à Saint-Tropez porte l’enseigne Limbo. Ses boutiques représentent un point de référence non seulement en matière de mode mais aussi en matière de design italien dans le monde. Ce sont les ambassadrices d’un style de vie italien sous le signe du luxe.
Clubbing. Le créateur a voulu lier son nom à des moments de divertissement et de détente. Il ouvre en 2001 le Caffè Giacosa de Florence en l’annexant à sa boutique. Il est suivi en 2002 du Just Cavalli Cafè à Milan, puis, ce sera le tour du Cavalli Club Firenze. Le dernier en date est le Cavalli Club de Dubaï.
Des participations. Au début des années 2000, la popstar Shakira lui commissionne des tenues de scène. Dans la série de Sex and the City, les protagonistes ont porté des vêtements et des accessoires Cavalli. En 2003, seul représentant officiel italien, Roberto Cavalli a défilé à la tête du Columbus Day Parade de New York City. En 2002, il inaugure sa première exposition More More and More au Palais Pitti à Florence qui lui consacre un Cavalli Day. En 2004, il organise, avec la Serpentine Gallery de Londres, la Summer Party annuelle et en décembre il inaugure l’exposition Wild Fashion Untamed, organisée par le Fashion Institute du Metropolitan Museum de New York. En 2005, il produit, avec Dino De Laurentiis, le film The Decameron, puis présente et lance à Las Vegas les costumes personnalisés des Bunny Girls. En 2006, il reçoit à Stuttgart le Prix Bambi pour s’être distingué dans la mode internationale. En 2007, la chaîne d’habillement H&M lui demande de créer une collection de 45 pièces. L’année 2008 il est l’invité du London College of Fashion pour une interview publique conduite par le journaliste historique Colin McDowell.
L'année 2010 est ponctuée d'évènements
- Le livre “Roberto Cavalli”: une ode au glamour et la créativité : 200 pages d'images prises par les photographes Mert & Marcus, sous la direction artistique de Fabien Baron. Parmi les projets spéciaux, on note que depuis juin la page d’accueil du site officiel www.robertocavalli.com est dédiée au 40ème anniversaire de la Maison.
- La transformation du logo institutionnel. Le logo héraldique RC est intégré dans le chiffre zéro qui représente la perfection. Les chiffres qui composent le symbole créent un autre emblème, riche de sens pour Roberto Cavalli, celui de Venus, qui dans la mythologie représente Aphrodite, déesse de l’amour et de la beauté. Elle célèbre l’amour que Roberto Cavalli porte aux femmes et la passion qu’il a employé à encenser leur féminité et leur sensualité.
- Des produits en édition limitée:
- La collection denim «Saint Tropez», en l'honneur de sa première boutique qui comprend 15 modèles, déclinés en 3 versions : un jean avec traitements de lavage «facile à vivre», un autre recouvert de paillettes, mini-clous ou de strass et un denim animalier à effet de forêt associé à de la mousseline de soie travaillée.
- La collection d’écharpes est composée de pashminas cachemire, imprimé jaguar, avec un effet irisé. L’imprimé jaguar est l’un des symboles les plus important et reconnaissable du style Cavalli.
- Une première collection Eyewear est un mélange de matériaux qui célèbrent l’esthétique de la maison. La façade masque est gravée. L'exclusivité du modèle anniversaire est souligné d'un «Special Edition», l'étiquette et la numérotation de la série est limitée à 2.000 exemplaires. Deux couleurs: l'une avec de l'or rose et en cuir ivoire impression peau de serpent et l’autre avec une lumière bleue.
- Une montre “anniversaire”: une référence dans le secteur de «l’horlogerie haut de gamme”. Le cadran a un effet python tandis que le bracelet est en peau de python avec boucle déployante. Disponible en édition limitée de 999 pièces, elle est disponible en noir et marron.
- Un nouveau parfum sauvage, luxueux et glamour.
- Une nouvelle bouteille de vodka décorée à la main dont le bouchon devient un sceau recouvert d’or et qui porte le mot “anniversaire”.
Rochas (40 ans)
L’Eau de Rochas est née le jour de la fête des mères en 1970 : une eau fraîche aux pétillances de citron et de verveine, dont le flacon semble taillé dans un cristal de roche, sculpté par l’eau vive. Eau de Rochas met à l’honneur ces femmes qui ont fait son succès à travers 40 portraits signés Kate Barry.
Le succès est tel que L’eau de Rochas franchira les frontières et sera numéro 1 sur plusieurs marchés internationaux. Depuis, elle est restée sans discontinuer dans le top des meilleures ventes de parfum au monde. Environ 55 000 000 flacons ont été vendus à ce jour, soit environ 3 par minute, 157 par heure, 3 757 par jour !
Cette eau libre et insouciante créée par Nicolas Mamounas sera le parfum de toute une génération de jeunes filles et de femmes libérées. Ode au retour aux sources et à la fraicheur de vivre, cette fragrance est le symbole de la génération « flower power ». C’est une eau fraiche, gaie, pétillante et tonique.
En 2010, elle reste le bestseller incontesté de la maison Rochas et pour ses 40 ans s’offre une nouvelle campagne publicitaire, signée David Ferrua avec deux visuels : le flacon seul sur fond noir et un portrait de la nouvelle femme « eau de Rochas », joyeuse, fougueuse avec son visage heureux parsemé de taches de rousseur.
Eau de Rochas: 40 ans, 40 femmes, 40 photos
Cette eau pétillante et tonique fête ses 40 ans… 40 ans d’une intense intimité avec toutes les femmes qui la porte depuis sa création, ces femmes d’aujourd’hui et de demain, vibrantes, fraiches et belles. Pour fêter cet anniversaire, Eau de Rochas met à l’honneur ces femmes qui ont fait son succès à travers 40 portraits signés de l’artiste Kate Barry, reconnue pour son art du portrait et le regard singulier qu’elle porte sur la femme, suite à un casting lancé par la marque en février 2010 sur www.eauderochas40ans.fr. Résultat: l’exposition de ces 40 portraits dans la parfumerie Marionnaud sur les Champs Elysées, du 15 au 30 juin 2010. L’Eau de Rochas prolonge aussi cet anniversaire en lancant une variation 2010, toujours plus fraîche.
Moon Boot (40 ans)
Cet hiver, la Moon Boot affiche fête son 40e anniversaire chez Colette où elle a dévoilé sa première collection de Moon Boot de ville ainsi qu’un modèle exclusif en série limitée…
Le 29 juillet 1969, Armstrong, Collins & Aldrin furent les premiers hommes à laisser les empreintes de leurs chaussures - spécialement conçues pour pallier l'absence de gravité - sur le sol lunaire. Des millions de personnes ont regardé ce pas en direct à la télé. Parmi eux, Giancarlo Zanatta, un jeune homme d’affaires de Montebelluna en Italie, ville qui allait devenir le centre mondial de la fabrication de chaussures de sport d’hiver et de montagne. Frappé par le design de ces boots étranges, il imagina avec les designers de son entreprise - Tecnica - une Moon Boot innovante par sa légèreté malgré ses formes toutes en rondeurs et par ses tiges multicolores. C’est ainsi qu’en 1970 commence l'aventure des empreintes que laissent sur la neige, ces chaussures inspirées des bottes portées par les astronautes. 40 ans après la Moon Boot quitte les massifs enneigés pour conquérir l’asphalte…
Les Moon Boot ont été couronnées de succès dès leur lancement. Elles ont anticipé les tendances, tout en étant fidèle à leur ADN. Leur forme ronde à la fois ergonomique et pratique et leur capacité à évoluer et réinterpréter les nouvelles tendances visuelles en font un symbole international de créativité italienne.
Produit phare des années 70, les Moon Boot sont reconnaissables par leur forme ronde en nylon coloré et mousse polyuréthane, leur semelle en crêpe et le long cordon natté pour fermeture. Leur fabrication, dont la légèreté a fait le succès (875 g en T 35/38) est réalisée sous le contrôle de la maison-mère. Et le procédé "aqua-stop", qui repose sur une couture à l'envers, est effectué de façon artisanale. Autre spécificité du chaussant, celui-ci concentre quatre pointures en une seule. Les enfants grandissent sans en changer chaque année, et les adultes, aux tailles consécutives, peuvent partager la même paire ! Mais si la star des après-skis a marqué son époque au point d’avoir figuré en 2000 parmi les objets de design les plus représentatifs du XXe siècle, réunis par le Musée du Louvre, elle n’est pas restée figée dans son histoire… Sans perdre de son confort, elle entretient, une modernité puisée aux sources des dernières tendances de la mode. A la gamme originelle Nylon, de courtes séries fantaisie se sont succédées certaines glamour, vernis ou en fourrure, d’autres espiègles, fluo ou en jean, ou porteuses d’un motif illustrant leur époque…
De l'après-ski à la botte fourée citadine !
Cet hiver, après 40 ans de modernité renouvelée, Moon Boot veut révolutionner la botte de ville avec les modèles Butter, Puddle-Jumper dédiées à une utilisation urbaine. Pour conquérir l’asphalte, elles ont subi un lifting : forme plus anatomique « près du pied », avec un pied droit et un pied gauche et une pointure par taille. Elles n’ont rien perdu de leur confort, de leur design et de leur gaîté. Chaudes, souples, légères, antidérapantes, elles assurent avec leur 12 coloris mode. Version neige, la saison 2010/2011 retrouve la Moon Boot tantôt classique (en nylon), tantôt glamour (parée d’or & d’argent, de strass & paillettes), tantôt « chiquissime » (en vinyle uni bordée de fourrure ou à motifs matelassés, croco ou baroques, ton sur ton).
Zilli (40 ans)
Début 2010, Zilli a marqué cet anniversaire en soutenant l'exposition de Béatrice Carraciolo, "Tumulti" à la Villa Médicis à Rome (Italie). Cet action de mécénat se poursuivra en septembre 2010 en soutenant une représentation de la Biennale de la Danse de Lyon au Bolchoi de Moscou. Ce sera un ballet d’Angelin Preljocaj.
1970 • A partir d’une fabrique artisanale de vêtements de cuir et fourrure, Alain Schimel crée une marque d’habillement masculin de grand luxe et invente le Sport Chic.
1980 • L’activité de fabrication prend de l’ampleur avec le lancement de nouvelles collections pour homme utilisant les matières les plus luxueuses (agneau plongé, autruche, crocodile, pécari, cachemire, guanaco, vigogne, soie, zibeline, chinchilla…).
1983 • Ouverture de la première boutique ZILLI à Londres sur New Bond Street, adresse incontournable de l’élégance et du chic anglais.
1990 • Première boutique française à Paris, rue du Faubourg Saint-Honoré.
1993 • Cap vers l’Est, avec une première boutique à Moscou sur Kuznetsky Most.
1995 • A Paris,
1996 • Développement d’une gamme complète d’habillement masculin de grand luxe : costumes, vestes, pantalons, chemises, cravates, chaussures et maroquinerie viennent ainsi enrichir la gamme existante.
1999 • Le développement de la notoriété internationale de la griffe s’accélère avec l’ouverture de boutiques exclusives à Genève, à Kiev et à Budapest.
2000 • Lancement de la marque en Duty Free. ZILLI devient alors le 1er fabricant mondial de cravates cousues à la main.
2002 • Création de la filiale milanaise D’Avenia Srl qui gère la production de chaussures en Italie.
2005 • Ouverture d’une boutique à Rome, Lyon et d’une deuxième boutique à Dubaï.
2006 • Développement du Travel Retail avec l’ouverture de 2 nouvelles boutiques à Roissy Charles de Gaulle et à Vienne ainsi que l’agrandissement du corner de Bangkok. Inauguration d’une boutique au sein du Grand Hôtel Europe de Saint-Pétersbourg et lancement d’une troisième boutique française à Cannes. Londres, première boutique ZILLI dans le monde, s’offre un relooking total ZILLI reçoit le prix du meilleur exportateur 2005 vers la Russie décerné par la Ministre Christine Lagarde et la Griffe d’Or 2006 des mains de Gérard Collomb, Sénateur-Maire de Lyon.
2007 • Ouverture d’une nouvelle boutique à Montréal au Canada et d’un show-room à Milan. Le 1er octobre, Alain Schimel reçoit les insignes de Chevalier dans l'Ordre National de la Légion d'Honneur. ZILLI lance, pour la saison automne-hiver 2007/2008, une collection de boutons de manchettes de grand luxe.
2008. ZILLI lance sa première collection de lunettes de soleil. En France, la boutique de Cannes s’agrandit et celle de Paris est rénovée. Ouverture d’une 2e boutique en Italie, à Capri. Zilli renforce son implantation au Moyen-Orient. A Kiev, dans le department store de Sanahunt, ZILLI s'affirme avec l’aménagement d’un corner dédié à son image.
2009 • En Europe, ZILLI inaugure sa 35ème boutique internationale à Porto Cervo, station balnéaire de Sardaigne puis ouvre sa 36ème boutique à Bruxelles. Outre Atlantique, ZILLI ouvre sa première boutique à New York, la seconde sur le continent nord-américain puis ZILLI ouvre sa 2ème boutique à Rome. Au total, la marque compte 38 boutiques.
Kickers (40 ans)
Elle s’appelle Kickers, du mot anglais Kick (donner un coup de pied) et Ker (pour la consonance américaine) auquel s’ajoute un « S » pour marquer la similitude avec jeans. Solide, pratique, confortable, elle est vive, gaie, colorée. Elle valorise la simplicité et l’authenticité de matières premières naturelles s’inspirant des codes du jeans:
– l’étiquette piquée sur la tige,
– les oeillets gravés,
– les pastilles rouge et verte sous les talons (pour distinguer le pied gauche du droit),
– la griffe Kickers imprimée à chaud sur le contrefort,
– la fleur « le vrai est gravé Kickers »,
– la semelle crêpe solide, souple, authentique.
Dès le départ, Kickers s’est orientée vers une dimension internationale. La marque est aujourd’hui présente sur tous les continents à travers ses filiales et ses partenaires distributeurs et licenciés dans le monde.
Des événements pour l'anniversaire
Pour ses 40 ans, Kickers a fait participer, au premier trimestre 2010, les internautes sur le site web Eyeka.com autour des axes de création dans l’air du temps : l’image, la vidéo, l’esprit « street », le son. La marque a organisé un concours (Print) pour lequel ils devaient construire l’identité graphique du concept de « L’invasion du rouge et du vert ». Deuxième événement, un concours vidéo, basé sur l’idée de « L’invasion du rouge et du vert » (durée 45 secondes maximum). L’objectif était de « faire s’exprimer » Kickers dans une scène de rue. Troisième événement : le concours « son ». Créer la musique de Kickers. Résultat sur www.kickers.com.
Kickers, au rythme de la musique
Née le 15 avril 1970, la griffe adore le son et les mythes musicaux de la décennie seventies ; elle s’intéresse aussi à la scène et aux artistes. Kickers a mené plusieurs « opérations événements » en 2010 dont la sortie édité en partenariat avec Sony d'un « livre anniversaire » qui retrace l’histoire de la marque et réunit les éléments graphiques (photos, vidéos, illustrations des concours Eyeka.com) créés sur l’univers de la griffe en 2010. « Symbiose entre sons et images », ce livre-CD reprend une play list légendaire de chansons qui ont hissé les seventies comme une décennie musicale majeure.
Dans un esprit de consommation intelligente, Kickers recycle ses bâches de devantures de boutiques pour les transformer en sacs.
Des collections « anniversaire » pour 2010
Toujours fidèle à son identité des années 1970, la griffe sait réinterpréter ses modèles d’origine pour notre look actuel, en puisant dans ses codes ADN pour revendiquer ses valeurs d’authenticité.
Pour l’hiver 2010/11, Kickers remet sur le devant de la scène ses modèles phares qui ont construit son patrimoine:
- une semelle crêpe très identifiable,
- boots mythique
- Kick7 : un sneaker en cuir très casual chic,
- Kickcolor, bottillon multicolore réédité pour enfants et adultes.
Pour être de plus en plus présent dans le vestiaire, la marque projette de lancer sa ligne textile garçons/filles pour le printemps/été 2011, qui mettra en avant les origines de la griffe et ses codes ADN, basés sur l’univers du Denim: T-shirts, sweets, jeans seront animés par des messages évoquant l’esprit Kickers ou encore par des broderies et des sérigraphies. Côté matières, le ton sera au délavé, comme aux teintes passées. Une gamme de t-shirts en coton organique sera aussi commercialisée.
Sac Amazona de Loewe (35 ans)
Stuart Veyers, directeur de la création, a introduit 20 versions en édition limitée de ce sac mythique. Chacun dans une couleur différente, vive – du rouge flamme, violet et fushia au vert gazon, jaune et bleu royal – et toute la gamme a été construite dans les ateliers Loewe utilisant les cuir les plus doux avec différentes finitions.
Pour célébrer ce 35ème anniversaire, Loewe a également invité l’artiste Nigel Shafran à photographier ce sac dans des lieux publics, aux alentours de Madrid, la ville où Loewe a été fondée, il y a 164 ans. Ces photos montrent un Amazona pratique et élégant dans le quotidien, le monde réel où l’on s’attend à le voir mais aussi dans certains endroits surréels : en pile dans un parc public, dans un arbre, sur une chaise. Ces photos pleines de vie sont typiques du photographe, qui travaille généralement sur les moments de vie et la routine.
Ces scènes de tous les jours résonnent aussi avec le caractère "aller partout", "travailler partout" de l’Amazona : en 1975, il avait été créé pour être un sac qui s’adapte aussi bien aux activités du jour que celles du soir, à la fois classique et élégant. Flexible dans tous les sens du terme, le sac Amazona est un sac 24H qui convient à la vie réelle de la femme.
Les sacs Amazona du 35ème anniversaire sont mis en vente dans des magasins Loewe et des grands magasins sélectionnés pendant la fashion week de Londres et Paris. Ils seront mis en scène dans les vitrines créées à partir des photos de Nigel Shafran.
Les Néreides (30 ans)
Une histoire d'amour
Entre Pascale et Enzo, c’est un coup de foudre à l’académie des Beaux-Arts. Elle, née d’une famille d’artistes depuis trois générations, dont un grand-père ami de Magritte. D’origine italienne, lui, grandit au sein d’une famille nombreuse anti-conformiste. Fusion de deux univers, au milieu des seventies pour ces passionnés de photos qui prennent la direction de la Côte d’Azur. Et c'est à Nice, qu'ils dénichent une boutique pour leurs bijoux fantaisie. Nous sommes en 1980. Dans la mythologie grecque, les Néréides sont les filles de Nérée, le dieu marin.
L’univers fantaisiste des Néréides trouve son inspiration dans le
voyage. Collectionneurs et passionnés de bijoux, les deux créateurs
promènent leurs regards sur les étals du monde entier. Des marchés éphémères d’Inde, au Garage New-Yorkais, de Waterloo, à Clignancourt ou Vanves en passant par la Thaïlande, ils ramènent de chacune de leurs pérégrinations des trésors. Poupées anciennes, veilleuses, statuettes, bijoux vintage, tableaux, bibelots chaque objet à valeur affective nourrit l’imaginaire foisonnant de ces créateurs et inspirera, qui sait, une prochaine collection !
Incarnation du raffinement à la française, l’équipe de style des Néréides cultive l’art du détail. La pureté des lignes, l’harmonie des couleurs, le choix des matériaux sont le fruit d’un travail minutieux. Soucieuses d’offrir un bijou d’exception, Les Néréides s’entoure, par spécialité, d’experts à travers le monde. L’Inde pour sa soie et ses broderies, la Chine pour ses pierres taillées, la Thaïlande pour l’argent, le vermeil et les pierres semi-précieuses, les Philippines pour son bois et sa nacre. Les bijoux sont réalisés et peints à la main. Chaque pièce est une oeuvre unique. Désireuse d’allier tradition et modernité, la Maison fait preuve d’une curiosité technique qui s’accompagne d’une quête permanente en matière d’innovations. www.lesnereides.com
Concept-store parisien l'Eclaireur (30 ans)
En fondant l'Eclaireur, Armand et Martine Hadida sont les 1ers à mixer la mode, l'art contemporain et le design. Pour les 30 ans, Armand et Martine Hadida ont choisi de célébrer la création au travers d’associations inattendues. La première de ces manifestations est le partenariat avec Gilles Ouaki, un artiste proche de leur vision de la création. Grand reporter pour Paris Match ou Le Parisien, ami et confident des figures artistiques de ces dernières décennies, Gilles Ouaki a croisé tous les grands, de Robert Combas, Peter Klasen, Pierre Soulages, Stéphane Pencréac’h, Erro, Jean-Paul Goude, Orlan à Bernard Venet… Comme L’Eclaireur, il axe son travail sur la volonté de désorienter et de provoquer des réactions par l’inhabituel, l’étonnement…
Pour l’événement, trois expositions voient le jour au sein des enseignes les plus atypiques, les plus décalées de l’Eclaireur. A partir du 14 octobre 2010 et pendant 6 semaines, Gilles Ouaki partage son univers créatif. Pour célébrer l’anniversaire du store synonyme de luxe, de singularité et d’innovation, des séries limitées vont se créer et des installations artistiques vont se monter... La première: une série ultra limitée de 30 appareils photo Leica X1 dernière génération numérique signés Gilles Ouaki et L’Eclaireur. La rue Hérold, qui héberge l’un des espaces les plus emblématiques du réseau de l’Eclaireur avec une galerie dédiée à l’art contemporain est le siège de 3 expositions:
- REDRUM, 7, rue Hérold
Gilles Ouaki a longtemps photographié des scènes de crime et ce sont ces oeuvres qu’il présente ici. Déstabilisation, vertige, transgression: l’objectif est d’interpeller le visiteur. On redécouvre le cliché «Rue des Rosiers», témoignage poignant de l’attentat de 1982. Debout sur une plateforme, le spectateur surplomble la scène de l’attentat et va revivre in situ l’émotion du photographe.
- REDRED, 10, rue Hérold
« Le rouge, c’est le sang, la vie, la mort, la violence, la colère, le feu, le luxe, l’excitation… » Au commencement de sa vie d’homme, Gilles Ouaki développe une passion irrépressible, presque obsessionnelle, pour les objets rouges. Afin de rassasier cette fièvre acheteuse, il se met en quête de pièces banales ou uniques, design ou commerciales, de Mao à Coca-Cola, lors de ses voyages autour du monde… Il collectionne du rouge sous toutes ses formes et la collection devient vite une des obsessions artistiques de Ouaki, envahissant les murs de son atelier. Pour Red Red, il présente une installation d’objets de sa collection inédite, dans une mise en scène décalée, tout de rouge vêtue. Du 60’s, 70’s, 80’s et surtout du rouge, du rouge et encore du rouge
- AUTO-PORTRAITS, 10 rue Boissy d'Anglas
«On accuse les véritables coupables, en les livrant au jugement du public… Auto comme automatique, comme on se fait tirer le portrait…». La série Auto-portraits qui comprend une vingtaine de représentations de flingues, guns, armes à feu, aux couleurs chocs et réalistes, est affichée pour cette occasion, comme on dresse une liste de monstres sanguinaires. Des sculptures d’armes imposantes (1m x 1m) aux couleurs pop viendront parfaire l’ambiance dérangeante de l’ évènement. Posées sur un mur immense, Ouaki esthétise ces objets de meurtre dans le but de les fragiliser, de les démystifier, de les désarmer…
Lafont (30 ans)
Avène (20 ans)
Nous sommes en 1736 et l’on vient de découvrir, dans la vallée de l’Orb, les propriétés médicales d’une eau extraordinaire… à Avène-les-Bains.
Les vertus thérapeutiques de cette eau, vite qualifiée de “thermale”, ne sont exploitées à l'époque que localement. Ce n’est qu’en 1990, que les Laboratoires Pierre Fabre édifient un établissement thermal. Après agrandissement et doublement de ses capacités (en 2004), la station thermale d’Avène est en mesure d’accueillir plus de 2 500 curistes par saison qui viennent d’Europe mais aussi du Japon, de Chine, des Etats-Unis… pour des pathologies dermatologiques.
Selon les dernières statistiques recueillies à la Station (saison 2009) 37,7% des curistes souffrent d’atopie et 32,5% de psoriasis.
30% souffrent d’autres formes d’eczéma, de prurits chroniques, de prurigos mais également de cicatrices pathologiques à la suite d’opérations de chirurgie plastique ou réparatrice, de brûlures…
En 2010, après 8 années d’études épidémiologiques auprès de
12.000 curistes, les résultats d’efficacité mettent en évidence
• Une amélioration notable des patients après la cure thermale :
elle est constatée par 91,1% des patients atopiques et 97,7% des
patients psoriasiques.
• Des scores de gravité réduits à l’issue des cures : respectivement - 48% et - 54%.
A ces performances, s’ajoute un bénéfice à long terme : les patients qui reviennent pour une seconde cure présentent un score de gravité moindre par rapport à celui de la première année.
C’est dans un cadre préservé que l’Eau thermale d’Avène émerge du sol où elle s’est constituée. Après un cheminement de plus de 40 années, elle jaillit limpide et pure, pour être captée. Elle est ensuite acheminée vers l’Usine de haute technologie où sont élaborés les produits de soin des Laboratoires Dermatologiques Avène et vers les Thermes où sont prises en charge les peaux sensibles et intolérantes pour y être apaisées… Actif essentiel et unique, l’Eau thermale d’Avène, a vu ses vertus apaisantes et anti-irritantes démontrées par des travaux cliniques. Elle est bactériologiquement pure. Sa faible minéralisation, son équilibre en minéraux et oligo-éléments, et son rapport optimal Calcium/Magnésium en font une eau adaptée aux peaux les plus sensibles.
C’est à partir de son actif unique, l’Eau thermale d’Avène, que
les Laboratoires Dermatologiques Avène ont développé une offre
complète de soins spécifiquement à toutes les peaux sensibles (136 produits en 2009) et des gammes incontournables:
-TriXéra+, gamme dédiée aux peaux très sèches et atopiques,
-Cleanance, gamme dédiée aux peaux jeunes à problèmes,
-Cold Cream, gamme dédiée aux peaux sèches et très sèches,
-Hydrance OPTIMALE, gamme d’hydratation,
-Pédiatril, gamme de soins pour la peau sensible de bébé,
-Couvrance, gamme de correction du teint,
-Antirougeurs, gamme pour peaux à tendance couperosique,
-Ysthéal+, Eluage, Sérénage, gammes de soins anti-âge,
-Soins essentiels, Soins pour hommes, Soins corporels.
Tsumori Chisato (20 ans)
Cette créatrice renommée pour sa créativité et ses expérimentations autour des imprimés, broderies, paillettes bijoux. Née dans la ville de Saïtama au Japon, c’est à Tokyo que Tsumori Chisato étudie la mode à l'école Bunka. Le géant de la mode japonaise Issey Miyake lui offre dès 1977 d’intégrer sa maison où elle exercera ses talents en tant que chef styliste de la collection « Issey Sports », ligne rebaptisée ultérieurement « I.S. Chisato Tsumori Design ». Forte de cet apprentissage Tsumori Chisato se lance en solo en 1990 et défile pour la première fois à Tokyo. Rapidement, on célèbre sa créativité et ses expérimentations autour des imprimés, qu’elle réalise elle-même, et des applications de broderies, paillettes et autres bijoux qui viennent charmer une base de vêtements aux coupes sophistiquées.
Une grâce, une magie et une fantaisie qui lui vaudra de nombreux prix dont le « Maïnichi Award » en 2002. Elle traverse la planète en 1999 et se lance à la conquête de Paris où elle ouvre sa première boutique hors du Japon. C’est dans cet espace du Marais qu’elle transmettra son sens artistique au travers de nombreuses collaborations avec des photographes et plasticiens. Des campagnes publicitaires inventives viennent depuis appuyer son intérêt pour l’image.
Déjà bien installée en Angleterre, en Italie, ou encore aux Etats-Unis, la Russie, le Moyen-Orient et la Scandinavie succombent à leurs tours aux créations de Tsumori Chisato et une large distribution à l’étranger vient compléter une quarantaine de points de vente et de boutiques en nom propre partout en Asie et plus récemment à Dubai. En 2003 une ligne homme vient étoffer un univers déjà riche. Tsumori Chisato fetera ses 20 ans de shows en octobre 2010.
Loft Design By (20 ans)
Plus qu’un vêtement, Loft est un art de vivre. La structure architecturale des vêtements repose sur l’unification d’éléments de maille coupée et cousue comme si elle avait toujours été portée.
Né en 1946 en Algérie, Patrick Frèche a été élevé entre Paris et Alger. Baigné par l’exotisme et l’histoire de ces villes, celui qui deviendra le fondateur de Loft Design By achève ses études à Sciences Po Paris. 1989, au retour d’un voyage à New York, il commence à créer des vêtements. Son leitmotiv : élégance, raffinement, sobriété et confort. Loft Design By est né et se décline pour l’homme, la femme et l’enfant.
Tous les vêtements vont ensemble pour créer une allure, les messages sur les t-shirts devenant un clin d’œil au monde qui nous entoure. L’idée « Art is a dirty job », inscrit sur les t-shirts rappelle l’esprit des patronages et le travail des ateliers de couture. Une attention a été accordée au packaging et aux détails de façon, par exemple l’étiquette sur laquelle chacun peut inscrire son nom pour mieux s’approprier son vêtement. Seule la base de la conception est importante, l’allure finale du vêtement dépend de celui qui le porte. La marque représente un état d’esprit, un style de vie et une allure indépendante et contemporaine. Les collections sont imagées, pures et intemporelles. Les couleurs sont douces comme délavées par le temps (gris foncé, beige, bleu marine).
20 pièces incontournables ont été rééditées pour les 20 ans de la marque et ont été exposées au Galeries Lafayette en 2009. Pour son anniversaire, Loft Design By organise aussi une course pour la paix et les oubliés de la démocratie dans les rues de Paris.
Kanabeach (20 ans)
« En 20 années, le chemin parcouru est éloquent; la petite société bretonne est aujourd’hui une entreprise moderne et parfaitement structurée qui étend son activité au-delà des frontières françaises. KanaBeach occupe désormais une position significative sur le marché de l’habillement des 15/25 ans.
"Le succès de la marque n’est pas dû à un phénomène de mode. Il a été construit, étape par étape, de manière organisée et profitable. Au fil des ans, la créativité et l’innovation ont été les éléments moteurs de notre développement. C’est de la même façon que nous comptons également assurer la pérennité de la marque. KanaBeach demeure dans le paysage de la mode jeune une marque unique qui se différencie par le style de ses produits et par l’originalité de sa communication. Un savoir faire inimitable soutenu par une organisation solide et alimenté par un esprit frondeur : voilà les ingrédients de l’authentique success story de KanaBeach.» Frédéric Alégoët, Président Fondateur
L’aventure KanaBeach a débuté en 1986, alors que le surf commençait à s’imposer en France comme un loisir et un mode de vie pour toute une génération. Et pas seulement sur la côte Basque mais aussi en Bretagne. A la fin de l’été 1986, trois surfeurs brestois décident d’aller jusqu’au bout de leur passion. Ils aiment le surf et n’ont pas envie de porter les mêmes vêtements que tout le monde. Ils commencent à dessiner et imprimer de façon artisanale leurs premiers T-shirts, avec déjà une prédilection pour les graphismes décalés et colorés. Les premiers motifs font dans le psyché et le fluo. Un style plein de couleurs et de bonne humeur qui trouve rapidement son public auprès des tribus locales du surf. KanaBeach est né en janvier 1987. Frédéric Alegoët et son frère Lionel commencent à travailler avec une entreprise textile locale, Lesnevienne de Confection. Ils s’initient au patronage et remettent au goût du jour d’anciens modèles de denims. C’est le début d’une petite ligne de vêtements homme, tandis que les gammes de T-shirts et de sweat-shirts ne cessent de s’étoffer. Déjà à l’époque, la marque participe à des défilés à Brest et à Quimper. De la rencontre avec un fabricant de pulls du Tréhou (Finistère), naîtra une ligne de pulls jacquards hauts en couleurs qui participeront à asseoir la renommée de la marque à la fin des années 80.
En 1994, les premières collections féminines connaissent un succès immédiat. Dès 1989, KanaBeach accompagne le développement du surf en s’investissant dans les Championnats d’Europe EPSA de Surf (jusqu’en 1995). En 1996, KanaBeach donne une assise technique à cet investissement dans le surf en proposant sa première gamme de combinaisons isothermes en néoprène. La marque ne s’arrête pas là. Son engagement se prolonge en 1996 et 1997 avec le Lacanau Pro,
En Bretagne, Kana beac’h est une authentique expression locale qui signifie “le chant du voyage. Un nom prédestiné pour une marque liée au surf, synonyme de jeunesse, de vagues et de cultures du bout du monde, et à la mode, synonyme de découvertes et d’échanges. Car on ne peut réduire KanaBeach ni à son aspect surf, ni à son aspect mode. Elle est aussi créativité débridée, imagination au pouvoir et révolution permanente du style tout en conservant sa personnalité unique.
Evènement en avril 2010
Pour célébrer cet anniversaire, la marque a proposé en avril dernier une journée customisation de T-shirts et de badges dans la boutique Kanabeach de Rennes et le soir un concert avec des artistes nationaux et internationaux. Pour l’anniversaire, une tenue en série limitée, spécialement créée pour les 20 ans, estmise en vente dans tout le réseau de boutiques Kanabeach en propre.
Delage (20 ans)
Aujourd’hui, Delage ouvre son premier corner à l’étranger, chez Yuta Powell à New-York. Cette boutique chic mixant marques de luxe et de créateurs est située sur Madison Avenue, au coin de la 76ème rue. Une ouverture qui marque la volonté pour la marque d’exporter son savoir-faire hors de nos frontières pour séduire une clientèle sophistiquée, adepte de la «french touch ».
A l’origine de la création de Delage, la rencontre de deux créatrices: Primrose Bordier, prêtresse des couleurs, et Barbara Wirth décoratrice d’intérieur, décident d’exploiter les peausseries les plus rares et les plus souples. En prime, elles offrent la possibilité de leur apporter un « twist » en permettant à chaque femme de les personnaliser selon son désir.
En 2001, Delage s’installe sous les arcades du Palais-Royal où les clientes viennent choisir et commander des modèles uniques et personnalisés dans la gamme de couleurs sophistiquées et originales des peausseries exotiques telles que le croco, l’iguane et le galuchat. A l’origine de ce succès, une fabrication artisanale dans le dernier atelier de chaussures de luxe de France, au savoir-faire unique et où règne encore la volonté d’offrir la plus grande qualité. Les peausseries sont soigneusement sélectionnées pour la beauté de leur grain et leur souplesse hors du commun. Leur préparation et leur coupe se réalisent à la main pour respecter parfaitement le sens de la peau et lui donner toute sa tenue.
Avène (20 ans)
Nous sommes en 1736 et l’on vient de découvrir, dans la vallée de l’Orb, les propriétés médicales d’une eau extraordinaire… à Avène-les-Bains. Les vertus thérapeutiques de cette eau, vite qualifiée de “thermale”, ne sont exploitées à l'époque que localement. Ce n’est qu’en 1990, que les Laboratoires Pierre Fabre édifient un établissement thermal. Après agrandissement et doublement de ses capacités (en 2004), la station thermale d’Avène est en mesure d’accueillir plus de 2 500 curistes par saison qui viennent d’Europe mais aussi du Japon, de Chine, des Etats-Unis… pour des pathologies dermatologiques.
Selon les dernières statistiques recueillies à la Station (saison 2009) 37,7% des curistes souffrent d’atopie et 32,5% de psoriasis.
30% souffrent d’autres formes d’eczéma, de prurits chroniques, de prurigos mais également de cicatrices pathologiques à la suite d’opérations de chirurgie plastique ou réparatrice, de brûlures…
En 2010, après 8 années d’études épidémiologiques auprès de
12.000 curistes, les résultats d’efficacité mettent en évidence
• Une amélioration notable des patients après la cure thermale :
elle est constatée par 91,1% des patients atopiques et 97,7% des
patients psoriasiques.
• Des scores de gravité réduits à l’issue des cures : respectivement - 48% et - 54%.
A ces performances, s’ajoute un bénéfice à long terme : les patients qui reviennent pour une seconde cure présentent un score de gravité moindre par rapport à celui de la première année.
C’est dans un cadre préservé que l’Eau thermale d’Avène émerge du sol où elle s’est constituée. Après un cheminement de plus de 40 années, elle jaillit limpide et pure, pour être captée. Elle est ensuite acheminée vers l’Usine de haute technologie où sont élaborés les produits de soin des Laboratoires Dermatologiques Avène et vers les Thermes où sont prises en charge les peaux sensibles et intolérantes pour y être apaisées… Actif essentiel et unique, l’Eau thermale d’Avène, a vu ses vertus apaisantes et anti-irritantes démontrées par des travaux cliniques. Elle est bactériologiquement pure. Sa faible minéralisation, son équilibre en minéraux et oligo-éléments, et son rapport optimal Calcium/Magnésium en font une eau adaptée aux peaux les plus sensibles.
C’est à partir de son actif unique, l’Eau thermale d’Avène, que
les Laboratoires Dermatologiques Avène ont développé une offre
complète de soins spécifiquement à toutes les peaux sensibles (136 produits en 2009) et des gammes incontournables:
-TriXéra+, gamme dédiée aux peaux très sèches et atopiques,
-Cleanance, gamme dédiée aux peaux jeunes à problèmes,
-Cold Cream, gamme dédiée aux peaux sèches et très sèches,
-Hydrance OPTIMALE, gamme d’hydratation,
-Pédiatril, gamme de soins pour la peau sensible de bébé,
-Couvrance, gamme de correction du teint,
-Antirougeurs, gamme pour peaux à tendance couperosique,
-Ysthéal+, Eluage, Sérénage, gammes de soins anti-âge,
-Soins essentiels, Soins pour hommes, Soins corporels.
Jimmy Choo (15 ans)
Lauréate du prix « Designer Brand of the Year 2008 » du British Fashion Council, la marque a reçu le prix « ACE » 2008 de l’Accessory Council, récompensant la « marque de l’année », le prix « Brand of the Year » 2008 de la 22è Annual Footwear News Awards à New York ainsi que le prix Nordstrom « Partners in Excellence » 2009.
La "Crystal anniversary collection"
15 ans de vie, ce sont des noces de cristal. Jimmy Choo célèbre l’évènement en lançant une collection de souliers-bijoux dans une version moderne et une grande variété de formes et de styles. Tamara Mellon, Fondatrice et DA de Jimmy Choo, a collaboré avec la photographe et peintre Marilyn Minter. Marylin Minter signe une iconographie à base d’émail sur tôle d’aluminium et de photos hyper réalistes à la charge érotique puissante, qui se joue des codes du glamour et du sexy du monde de la mode. Sa vision met en exergue la juxtaposition des symboles de la féminité de manière plutôt décalée : ses bouches glossées suçant des diamants et ses talons-lézards baignant dans une eau souillée se révèlent être en phase avec l’univers exaltée de Tamara Mellon pour Jimmy Choo.
"Pour célébrer notre quinzième anniversaire, j’ai voulu créer un glamour moderne qui représente le style et l’imaginaire de Jimmy Choo. Je me suis inspirée de la joaillerie vintage pour ajouter de la lumière et des touches de brillance aux modèles phares de la Maison. Ces nouveaux modèles se démarquent des souliers-bijoux des anciennes collections, ils sont plus modernes, plus actuels. Cela fait longtemps que je collectionne les travaux de Marilyn, et en tant que fan, je savais qu’elle pourrait capturer l’essence de ma vision" indique Tamara Mellon.
Jean Paul Knott (10 ans)
Dans son travail, Jean Paul Knott explore la ligne, une nonchalance aérienne et une élégance éthérée qui font sa signature. Il rend possible toutes les associations et les mélanges masculin ou féminin, de couture ou prêt-à-porter. Il invite au voyage, au pliage, à la transformation et se mêle volontiers aux collaborations avec ses amis artistes.
Un peu d'histoire
Après des études de style au Fashion Institute of Technologie de New York, Jean Paul Knott débute sa carrière dans la maison Yves Saint-Laurent, d’abord comme styliste puis pour les collections de YSL Licences. Il devient en 1996 styliste pour la ligne de prêt-à-porter de luxe YSL Rive Gauche, sous la direction de Loulou de la Falaise, puis assistant d'Yves Saint Laurent pour les collections de haute couture.
Il rentre en Belgique, son pays natal, en 1999 pour y lancer sa marque Jean Paul Knott. Présentée l’année suivante, à Paris, elle séduit par son sens de la précision, la pureté de ses lignes, l’assurance de ses volumes et la légereté de ses drapés. C'est un label destiné aux femmes (mais aussi aux hommes) sensibles à la qualité, l’originalité, le luxe et l’exclusivité.
En 2001, il signe les costumes du ballet de Maurice Béjart, « Lumières ». En 2005, il dessine une ligne de sous-vêtements Dim, conçoit des décors de chambres pour l’Hôtel Royal Windsor à Bruxelles et développe ses lignes d’accessoires. En 2006, il ouvre sa première « Galerie Concept », à Bruxelles, dédié aux vêtements et à l’art. En 2007, la maison Cerruti lui confie la direction artistique de toutes ses lignes, après lui avoir confié la collection « Cerruti 1881 ». En 2008, Jean Paul Knott entre au calendrier officiel de la haute couture comme membre invité. Il présente sa collection JeanPaulKnott et introduit sa collection Knott Galerie Vie développée au Japon depuis quatre saisons avec son partenaire japonais Tomorrowland. En 2009, il ouvre sa première « Boutique Concept », où sont distribuées ses lignes ainsi que les créateurs et artistes qu’il affectionne. Il réalise pour le catalogue des 3 Suisses une collection capsule hiver d’une dizaine de pièces inspirées du cercle.
Les futures tendances
Le 6 février 2010, Jean Paul Knott fêtait les 10 ans de sa marque éponyme. L’automne-hiver 2010/11, continuité de la saison précédente, fera vivre un moment où la notion de saison n’existe plus, où l’on se couvre et se découvre au fil de la journée, au gré de nos humeurs. Ce vestiaire, à l’élégance modulaire et géométrie variable, propose des pièces toujours dessinées à plat, construites et deconstruites dans une gamme de couleurs givrées qui balaie la palette des gris, tire le marron vers le noir et transforme le bleu en nuit. Les matières se déclinent en drap de cachemire, shetland, flanelle, loden, alcantara, fourrure de Mongolie et vison. Les silhouettes jouent les oppositions, le tube des jupes brave le sari balinais et le pli religieuse, le short comme un pantalon sont serrés ou larges, trop courts ou trop longs, ils s’ajustent d’une ceinture. Les vestes sont comme extraites du vestiaire masculin et bousculées en féminin. Quant aux accessoires en cuir et la maroquinerie, ils s’emboîtent et se désemboîtent.
La montre J12 de Chanel (10 ans)
Pour les 10 ans de la J12, Chanel offre à l’horlogerie une complication inédite… Il était une fois une montre ronde, parfaitement ronde, sans couronne de remontage latérale pour casser la perfection de cette rondeur.
En 2000, pour créer une montre parfaitement noire, Chanel s’était tourné vers la céramique, matériau de haute technologie capable de répondre à cette demande. Pour Chanel, il était logique de poser la question de cette montre ronde, parfaitement ronde et sans couronne, à l’une des équipes les plus créatives de la haute complication : celle de Giulio Papi, chez Audemars Piguet Renaud Papi. Pour fêter ce 10ème anniversaire, une authentique « complication » de haute mécanique s’imposait.
En 2005, le premier tourbillon J12 était lancé: c’était la première fois dans l’histoire horlogère qu’on associait un tourbillon à une montre en céramique, dont la platine elle-même était en céramique. En 2008, la J12 s'offrait un mouvement « manufacture ».
En 2010, comment imaginer une J12 de haute horlogerie qui respecte les codes de la maison Chanel ? Comment donner corps à cette envie de montre compliquée parfaitement ronde ? Comment marier la tradition de Chanel et la tradition micro-mécanique suisse ? Giulio Papi a proposé de changer la couronne de place ! Pourquoi pas sur le cadran, ce qui n’avait encore jamais été tenté ? Mais comment faire tourner les aiguilles autour du cadran si cette couronne encombre le passage ? Ce qui revenait à poser un second problème : celui d’une couronne en relief sur la montre. Il fallait inventer, dans un mouvement à tourbillon, une aiguille des minutes capable de faire non seulement le tour du cadran mais aussi le tour de la couronne posée en plein cadran. Seul moyen : l’aller-retour ! Faire avancer l’aiguille des minutes jusqu’à ce qu’elle bute sur la couronne, puis la faire repartir en arrière jusqu’à ce qu’elle puisse se repositionner de l’autre côté de la couronne. Dans ce cas, si on avance, puis qu’on recule avant de reprendre sa course, que devient la précision de la montre ? Comment peut-elle donner l’heure au cours de cet intervalle rétrograde ? L’aiguille ne pouvant plus indiquer les minutes, des chiffres – affichage digital – s’en chargent dans un guichet loupe situé entre 5 h et 6 h. On commence à mieux comprendre le nom de la montre : « Rétrograde » pour l’aiguille des minutes qui inverse sa course dix minutes pendant lesquelles, à chaque tour de cadran, l’aiguille revient se placer sous la couronne – soit entre 10 et 20 de chaque heure, la minute étant décomptée en chiffres dans le guichet-loupe en bas du cadran ; « Mystérieuse » pour les arcanes de ce double affichage analogique et digital. Soit une complication horlogèrement pointue et esthétiquement forte. D’autant que cette aiguille séquentiellement rétrograde, doublée d’un affichage digital des minutes, est une première absolue dans l’histoire horlogère. Tout comme la couronne verticale intégrée dans le cadran, qu’on désactive en la repoussant à fleur de la glace pour l’activer d’une pression du doigt et la faire « remonter » pour être manipulée.
Le maquillage soin de Dr. Hauschka (10 ans)
Lancé en 1999, cette gamme complète de produits est élaborée sur le même concept que la cosmétique traditionnelle. Cette gamme - élaborée sur le même concept que la cosmétique Dr. Hauschka - propose des ingrédients naturels et des formules visant non seulement l’esthétique mais aussi le soin.
Comment ? Par l’emploi d’huiles et de cires végétales précieuses, ainsi que de plantes médicinales sélectionnées. La ligne de maquillage Dr. Hauschka possède une riche palette de couleurs et de textures : rouges à lèvres, fonds de teint, poudres, fards à joues, mascaras, crayons Kajal et ombres à paupières sont les fruits d’un travail entre bio-esthéticiennes Dr. Hauschka et artistes. Les couleurs et les nuances vivent par elles-mêmes, elles se fondent dans l’incarnat individuel et font ressortir sa personnalité.
Tous les produits Dr. Hauschka sont : certifiés BDIH, exempts de parfums, de colorants et de conservateurs chimiques de synthèse, exempts d’huiles minérales, de parabènes, de silicones et de PEG, testés en milieu dermatologiques pour leur tolérance cutanée ?
Les lunettes Glossy de Dior (5 ans)
Pour son 5ème anniversaire, la Dior Glossy Gold s'habille de reflets ambrés et les branches sont signées d¿or 18 carats.
ICÔNE
En 2005, Dior lance la Dior Glossy inspirée des formes oversized des années 70. Verres extralarges, monture galbée aux couleurs métallisées, signature identifiable, la Dior Glossy est adoptée par toutes les stars de Sharon Stone à Charlize Theron et devient le best seller de la maison.
DIOR OR
«Un nom magique qui comporte ceux de Dieu et or». C’est ainsi que Jean Cocteau évoquait son ami Christian Dior dans les années quarante, lui prédisant un avenir glorieux. Associé à la richesse et à la création, l’or sublime les créations Dior depuis les premières collections.
OPTYL
L’Optyl est un matériau exclusif utilisé pour les collections lunettes de Dior. Elaboré à partir d’un assemblage spécifique de résines, l’Optyl est une marque déposée par Safilo. Doté de qualités exceptionnelles: légèreté, excellentes finitions, gamme de couleurs infinies et mémoire de forme, il est un matériau de pointe.
Le parfum Flowerbomb de Viktor & Rolf (5 ans)
Pour les 5 ans, Viktor & Rolf sortent un parfum en édition limitée. Le flacon est numéroté et la signature de V&R est engravée. Cette édition est uniquement disponible sur www.viktor-rolf.com.
![[Diaporama] Le gouvernement Ayrault](http://www.francetv.fr/2012/sites/elections/files/styles/vignette_rss/public/images/photos/2012/05/fabius_0.jpg "[Diaporama] Le gouvernement Ayrault")
![[Vidéo] Ayrault va proposer la baisse de 30% du salaire des ministres](http://www.francetv.fr/2012/sites/elections/files/styles/vignette_rss/public/images/photos/2012/05/ayrault_20h_f2.jpg "[Vidéo] Ayrault va proposer la baisse de 30% du salaire des ministres")
